Metrópoles Carnívoras: hip hop e cidade em confronto

Mais do que uma série de videoclipes, Incursões Inesperadas em Metrópoles Carnívoras com Alguns Momentos Macios é uma imersão visual no universo de Matéria Prima. Dirigido por Bernardo Guerreiro e com roteiro de Novíssimo Edgar, o curta-metragem transforma a música em imagens cuidadosamente selecionadas, onde os cenários e o elenco reforçam a carga simbólica de cada canção. Como explica sua descrição no YouTube:

Na construção das histórias, cenários e elenco foram escolhidos de forma precisa.

O próprio título do curta-metragem reforça sua visão conceitual: “Incursões Inesperadas” sugere movimentos imprevisíveis, explorações que invadem a paisagem urbana, refletindo a improvisação do hip hop. “Metrópoles Carnívoras” evoca a crueza das cidades, que devoram aqueles que as habitam. Mas dentro desse ambiente hostil, “Alguns Momentos Macios” introduzem um contraste, insinuando que, mesmo no turbilhão da metrópole, há instantes de suavidade, introspecção e beleza.

A seguir, mergulhamos nesta obra, explorando sua narrativa por meio de uma interpretação pessoal.

Parte I: “Ama-me”

O videoclipe de “Ama-me”, a primeira parte do curta-metragem Incursões Inesperadas em Metrópoles Carnívoras com Alguns Momentos Macios, é uma representação visualmente poderosa da complexidade do amor, explorando sua intensidade, contradições e rupturas. Através de uma narrativa fragmentada e simbólica, seguimos a história de um casal interpretado por Moara Sacchi e João Ricken.

A descrição do videoclipe no YouTube explica:

A narrativa explora as contradições entre afeto, desejo e ruptura em um espaço de forte carga simbólica.

O afeto se traduz em olhares, na forma como os personagens se aproximam e se tocam, mostrando a necessidade de conexão. O desejo se expressa não apenas na proximidade física, mas na tensão dos corpos, na maneira como os movimentos dos protagonistas oscilam entre a aproximação e o distanciamento. A ruptura aparece nos gestos de rejeição, na impossibilidade de permanecerem juntos sem que o relacionamento se transforme em um conflito emocional.

Cena de abertura: A mulher no controle do próprio destino

O videoclipe começa com a mulher pilotando uma motocicleta, sua postura irradiando força, determinação e independência. Essa imagem inicial evoca a ideia de alguém que avança com firmeza, no controle do próprio destino, em sintonia com o verso:

Eu sou um príncipe num cavalo alado

Ao chegar em casa, ela encontra seu parceiro, que imediatamente começa a gritar e a apontar agressivamente. Ela o observa em silêncio, sem reagir, sugerindo que já passou por esse tipo de confronto antes e aprendeu a não se envolver na raiva dele.

Ambos dão de ombros, resignados. Ele se afasta, enquanto ela acende um cigarro – um gesto que pode representar seu cansaço ou sua maneira de processar a situação. Essa atitude remete ao verso:

Esquece! Até parece, eu sou uma montanha de… estresse

Essa cena estabelece um ponto central do videoclipe: a resiliência da mulher diante de um relacionamento conturbado. Apesar das discussões e da tensão, ela não se deixa consumir pela agressividade do parceiro.

A cama no campo: vulnerabilidade e conexão

A segunda cena muda completamente de tom e cenário. Agora, o casal está deitado de roupa íntima sobre uma cama em um campo verde. Essa mudança sugere um espaço mais íntimo e vulnerável, onde os dois podem estar juntos sem as barreiras do mundo exterior.

No início, eles estão de costas um para o outro, olhando para longe, o que reflete um distanciamento emocional, apesar da proximidade física. Em seguida, eles se ajustam, se olham, se abraçam e se acariciam com ternura, evocando o apelo da música:

Ama-me na cama quando a gente queima / Ama-me na lama quando a gente teima

Há tristeza, mas também um amor que ainda tenta se sustentar. Essa pausa de ternura não esconde a instabilidade latente do relacionamento, que logo volta a oscilar.

O riacho e a floresta: a ilusão de um amor puro

Aqui, o videoclipe nos leva a um terceiro cenário: a mulher caminha descalça por um riacho em meio à floresta, vestindo branco. Há um pequeno interlúdio onde a música para momentaneamente, e o som da água borbulhante se destaca. Ela sorri, contrastando com as emoções pesadas das cenas anteriores. O homem aparece sem camisa e se aproxima. Eles se abraçam com ternura, transmitindo a sensação de que, por um momento, seu amor é livre de conflitos.

A água do riacho e o vestido branco podem simbolizar uma tentativa de purificação, uma nova chance dentro do relacionamento. É um momento em que parecem estar em harmonia, mas o espectador já viu o suficiente para se perguntar quanto tempo essa paz durará.

Aqui ressoa o verso:

Se participa, tudo é conversa e que o tempo convença de que a gente vence junto

Ambos parecem querer acreditar que podem superar seus problemas, mas a realidade os alcançará assim que o interlúdio terminar.

O bar e a casa: a ruptura emocional

Este segmento mostra o declínio definitivo do relacionamento. O homem está em um bar, bebendo em excesso e rindo descontroladamente. Seu riso exagerado sugere que ele está tentando afogar sua tristeza no álcool. A mulher, por outro lado, está em casa, sozinha na cama, e depois olhando pela janela enquanto toma café. Em contraste com ele, ela processa a separação com calma, embora a melancolia seja evidente. No bar, o homem continua bebendo, perdendo cada vez mais o controle. Finalmente, sai para a rua cambaleando, completamente bêbado.

Aqui ressoa o verso:

Porque tem umas víbora que é tipo hidra

Na mitologia, a hidra é uma criatura cujas cabeças crescem novamente sempre que são cortadas, representando um conflito infinito. Isso reflete a dinâmica do casal: uma batalha emocional em que, mesmo quando tentam romper, as feridas se regeneram e a tensão continua.

No entanto, ao contrário da hidra, a protagonista rompe o ciclo. Em vez de continuar cortando cabeças que sempre voltam a crescer, ela se afasta completamente, deixando o homem preso ao próprio sofrimento. Ela aprendeu a aceitar a fragilidade do amor, enquanto ele permanece preso em seu desespero, incapaz de encontrar uma saída.

Cena final: libertação e destino selado

A última cena assume um tom simbólico e surrealista. A mulher, ainda vestida de branco, descansa contra uma árvore na floresta. O homem aparece amarrado a uma cadeira, gritando. A mulher abraça a árvore e, em seguida, levanta as mãos para o céu.

Essa sequência abre múltiplas interpretações: Ele está preso em seus próprios tormentos, enquanto ela encontra paz na natureza. Ela transcendeu o relacionamento, enquanto ele continua repetindo seu ciclo de sofrimento. A conexão entre os dois se rompeu definitivamente, deixando cada um em destinos opostos.

Este segmento mostra um contraste marcante entre os personagens:

Já fui embitolado, atolado em tolice… mas dessa fase foi-se

Ele não consegue sair do ciclo de autodestruição, enquanto ela aprendeu a deixá-lo ir. O videoclipe de “Ama-me” não é apenas uma história de amor e separação, mas uma imersão na complexidade emocional de um relacionamento que oscila entre paixão e desgaste. Enquanto ele se agarra ao desespero, preso em seu próprio tormento, ela escolhe seguir em frente, encontrando na natureza uma metáfora para sua libertação. Com um final poderoso, “Ama-me” nos lembra que, às vezes, a maior demonstração de amor próprio é ter a coragem de soltar para poder seguir adiante.

A relação complexa entre a cidade e o hip hop

Uma possível leitura é que a relação turbulenta entre o casal em “Ama-me” simboliza o embate constante entre a cidade e o hip hop. O homem, com sua agressividade e sedução momentânea, reflete as contradições das grandes metrópoles — espaços que ao mesmo tempo fascinam e consomem. Já a mulher, que resiste e segue em frente, representa o hip hop como uma força de resistência, transformando adversidades em expressão e liberdade.

Essa leitura se conecta à ideia das “Metrópoles Carnívoras”: um espaço que devora seus habitantes, especialmente os mais vulneráveis (“os menor na rua que já perderam a inocência”, como diz “Intro (Ele Voltou!)”), exigindo resiliência para sobreviver. O videoclipe reforça essa interpretação ao intercalar imagens de Matéria Prima com uma grande cidade ao fundo, sugerindo que o artista, assim como o hip hop, habita esse ambiente, mas mantém um olhar crítico sobre ele. A cidade se impõe como um cenário inevitável, enquanto a música oferece uma via de contestação e escape.

A cena final amplia essa ideia: ao encontrar paz na floresta, a mulher se distancia definitivamente da relação tóxica, assim como o hip hop pode se tornar um refúgio, um espaço de liberdade longe da brutalidade urbana. No fim, a cidade continua gritando à escuridão, mas o hip hop, assim como a mulher do videoclipe, persiste, se adapta e encontra novos caminhos.

Parte II: “Água & Sangue”

O videoclipe de “Água & Sangue”, a segunda parte do curta-metragem Incursões Inesperadas em Metrópoles Carnívoras com Alguns Momentos Macios, reforça visualmente a dualidade presente na letra. A descrição no YouTube esclarece:

Se aprofunda na dualidade e reflexão do próprio Matéria Prima, captada nos cenários nebulosos de Paranapiacaba. O jogo entre luz e sombra traduz visualmente a complexidade das rimas e dos sentimentos presentes na faixa.

Através de imagens imersas nos tons acinzentados da névoa, junto com flashes de cor, a cenografia captura a busca pelo equilíbrio entre opostos.

A dualidade do caminho

Desde a cena inicial, Matéria Prima aparece no meio de uma rua, parado sobre as linhas amarelas que dividem as duas pistas. Essa imagem simboliza sua posição num ponto intermediário, uma fronteira entre opostos, em sintonia com a premissa central da canção:

Sou Yin e Yang

O protagonista não pertence completamente a um único extremo, mas coexiste entre dois polos. A rua representa essa divisão simbólica entre forças opostas em equilíbrio.

A névoa que envolve a cena inicial cria uma sensação de incerteza, sugerindo uma busca pessoal e uma jornada sem um destino claramente definido. Essa atmosfera reflete a luta interna com a identidade e a aceitação da imperfeição, como expresso na letra:

Juntando as metades que sou / Talvez não dá pra inteirar

Aqui, a névoa simboliza a ambiguidade e a complexidade da autoexploração.

A cor vermelha e a resiliência

O uso da cor no videoclipe é significativo. Matéria Prima veste vermelho, um tom que contrasta com os tons acinzentados da névoa e da paisagem apagada, destacando sua presença e energia em meio à melancolia visual. Além disso, na selva, surgem flores rosa vibrantes que, embora aparentemente frágeis, florescem apesar das condições adversas. Esse contraste visual reforça a mensagem da canção:

Tô fraco, eu sou forte

Fraqueza e força não são opostas, mas estados que coexistem.

O movimento e a autodeterminação

Apesar da atmosfera densa, Matéria Prima não para. Ele começa a se mover, a dançar, a caminhar, demonstrando uma resistência ativa ao ambiente. Essa ação reflete sua determinação em forjar seu próprio caminho, alinhando-se ao verso:

Não dou sorte, eu sou a sorte / Não dou azar, eu sou o azar

O artista não se define pela sorte ou pelo acaso, mas pela sua própria capacidade de se mover e se transformar.

A introspecção e a conexão com a música

Em uma cena-chave, vemos Matéria Prima deitado, de olhos fechados, movendo os dedos no ritmo da música. Essa imagem captura um momento de profunda introspecção e conexão sensorial com o som, manifestando a dualidade da existência: seu corpo está em repouso, mas há movimento em seus dedos, em sua respiração e na música.

A vida como equilíbrio em tensão

Tanto a água quanto o sangue são frequentemente símbolos de vida.

Sou água e sangue

A água flui, se adapta, se transforma; o sangue é vida, impulso, continuidade. O videoclipe encapsula essa dualidade, mostrando que a vida não é estática, mas um equilíbrio em constante movimento. Matéria Prima transita entre introspecção e ação, fragilidade e força, o etéreo da névoa e o tangível da rua. No fim, não se trata de escolher um único extremo, mas de aprender a habitar ambos. Porque, como expressa a canção, “talvez não dá pra inteirar”, mas seguir em movimento sempre será “o bastante pra transbordar”.

Parte III: “So Satisfying”

O videoclipe de “So Satisfying”, a terceira parte do curta-metragem Incursões Inesperadas em Metrópoles Carnívoras com Alguns Momentos Macios, adota uma estética minimalista, focando-se exclusivamente em Matéria Prima no estúdio de gravação. A ausência de cenários mutáveis ou elementos narrativos reforça a ideia central da música: o prazer está nas coisas simples, no essencial.

A descrição no YouTube resume da seguinte forma:

Evoca sensações de conforto e prazer auditivo… No curta, essa ideia se reflete na relação do MC com o microfone no estúdio, transformando o espaço em um refúgio sonoro.

O microfone como protagonista

A primeira imagem do videoclipe é a de um microfone de estúdio, um elemento simbólico que representa a conexão entre o artista e sua arte. Aqui, o microfone não é apenas uma ferramenta, mas um portal para um espaço seguro: um refúgio onde Matéria Prima se encontra consigo mesmo.

Essa ideia se reforça com o verso:

Focus here, in the now

O estúdio de gravação se torna um espaço de atenção plena (mindfulness). O fundo preto elimina distrações e concentra tudo na interpretação do artista.

Expressividade nos gestos

Nesse vazio visual, a voz e os gestos de Matéria Prima se tornam o único foco, destacando a intimidade do ato criativo e a autossuficiência do artista em seu próprio universo sonoro. Sem necessidade de elementos externos, sua expressividade ganha protagonismo.

Sua linguagem corporal enfatiza a letra da música, transmitindo conforto e confiança em seu espaço criativo. Cada gesto, cada pausa, cada olhar reforça o sentimento de prazer pessoal, em sintonia com o verso:

Feel good about just being weird

Sentir-se bem com sua singularidade não está apenas na letra, mas também na forma como o artista ocupa o espaço. Ele só precisa de sua voz e presença.

Um refúgio sonoro

O estúdio não é apenas um local de trabalho; é um santuário onde o artista encontra paz, protegido do perigo exterior. Esse espaço íntimo, onde só existem ele e sua música, reflete a importância da arte como via de escape e autodescoberta.

Essa sensação de segurança e liberdade criativa se conecta ao verso:

Being Black with no fear, making stress disappear

Esse verso sugere que, fora do estúdio, ser negro implica estar constantemente exposto a tensões e pressões externas, algumas delas impostas por estruturas de discriminação. Em contraste, dentro do estúdio, esse peso se dissipa, e através da música, Matéria Prima constrói um espaço de liberdade e alívio.

Outro elemento visual é a alternância de sua imagem à direita e à esquerda, uma duplicação simbólica que sugere um diálogo interno. Esse desdobramento representa a conexão do artista consigo mesmo dentro do estúdio, um local onde ele se escuta, se observa e se responde. A música se torna um ato de introspecção profunda:

Look inside, shed a tear, hearing things you need to hear

O videoclipe mostra que a música não é apenas entretenimento: também protege e cura. Para Matéria Prima, sua arte é um espaço seguro onde ele pode ser vulnerável sem medo.

Epílogo: o retorno à realidade

Após a jornada introspectiva dos três videoclipes, o epílogo rompe abruptamente essa imersão para nos trazer de volta ao cotidiano. O som de um telefone vibra no silêncio de um quarto de hotel. Sobre a mesa, um copo com os restos da noite anterior sugere a ressaca do sucesso, tanto literal quanto metafórica.

Matéria Prima acorda e atende. Do outro lado da linha, uma voz distorcida, sem rosto, anuncia com entusiasmo:

Cê viu!? ‘novidadasantiga’ já bateu milhão nas plataformas, né não? Show ontem? Lotado. E logo menos tamo partindo pro aeroporto…

A voz, filtrada por um efeito robótico, poderia ser de qualquer um — empresário, produtor, algoritmo. No fim, o que importa são os números, e a máquina do mercado já se move para a próxima etapa. Esse detalhe enfatiza a desumanização da indústria musical. O ambiente íntimo do estúdio e o momento de reflexão são substituídos por uma agenda frenética.

A cena sugere um choque entre a autenticidade do processo criativo e as exigências externas do mercado. O epílogo deixa aberta uma questão essencial: como equilibrar arte e indústria?

Matéria Prima não responde. Ele apenas segue.

Créditos: a paradoxa de encerrar com uma introdução

Os créditos se encerram com um trecho de “Intro (Ele Voltou!)”, reforçando a ideia de continuidade e transformação no hip hop. A repetição do verso:

Ele voltou, mas ele nunca foi

destaca que, mesmo após o fim do curta-metragem, Matéria Prima não desaparece, mas se reinventa constantemente.

Nesse sentido, o curta se reafirma como descrito em sua própria sinopse:

Se torna um manifesto visual da potência do hip-hop underground nacional.

Visualmente, a cena final deixa uma impressão intrigante. Matéria Prima se aproxima lentamente até que apenas seus olhos aparecem na tela. Em seguida, ele sorri de forma estranha, difícil de interpretar, e por um instante, o vídeo parece retroceder.

Esse efeito não é apenas um recurso estético, mas uma referência direta à essência do hip hop: repetição, remixagem e reciclagem de sons e imagens para criar algo novo. Assim como um DJ retrocede um beat no turntable, o vídeo sugere que o tempo, a música e a identidade do artista não avançam em linha reta, mas em ciclos de evolução e reinvenção.

O trecho escolhido também enfatiza a dimensão curativa da cultura hip hop:

MC, DJ, graffiti e b-boy, cultura que cura essa vida que corrói

Em um mundo que desgasta, o hip hop é resiliência. Ele volta, gira, se desfaz e se refaz — como um sample reprogramado, sempre encontrando novos caminhos para soar. Mesmo quando a tela escurece, Matéria Prima continua em loop.